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Arte contemporáneo

Aunque el término es discutido, la definición más generalizada de arte contemporáneo se refiere a la producción artística que va desde que finalizó la Segunda Guerra Mundial hasta nuestros días. 

El calificativo de contemporaneidad no es propio de una generación de artistas ni se restringe a una técnica, a un soporte o a un lenguaje específico; las obras artísticas contemporáneas tampoco se fundamentan en soportes materiales, sino en sentidos y significados; los artistas que las producen tienen en común un discurso reflexivo sobre el presente en ámbitos tan diversos como política, sociedad, economía o medio ambiente, por solo nombrar algunos. 

En otras palabras, el arte no es considerado contemporáneo porque corra a la par de su tiempo, sino porque intenta comprenderlo y cuestionarlo. Las expresiones de arte contemporáneo innovan, debaten sobre las pautas establecidas, ofrecen nuevas interpretaciones y enfoques y, sobre todo, reflexionan acerca del mundo y el sentido del hombre dentro de éste.

Colección Isabel y Agustín Coppel (CIAC)

Las obras de arte contemporáneo de la Colección Agustín e Isabel Coppel están en calidad de comodatos y han sido creadas ex profeso para cada uno de los espacios del Jardín. 

El proyecto es resultado de la curaduría del connotado crítico de arte Patrick Charpenel, quien seleccionó a 38 artistas nacionales e internacionales con la intención de que produjeran experiencias sensibles que motivaran a los visitantes a una reflexión entre los temas sociales y naturales y su relación con el hombre.

Si bien todas las obras tienen en común el binomio naturaleza-arte, lo que ha conseguido cada artista es único. Alguno optó por realizar una intervención artística, otros por una pintura, un video, una instalación, una escultura o una obra interactiva, otros más se decidieron por la creación de espacios. De este modo, el visitante tiene varias alternativas para relacionarse vitalmente con el arte.

Obras instaladas

Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla
Sin título

Jennifer Allora (1974, Filadelfia, EUA) & Guillermo Calzadilla (1971, Habana, Cuba)

Sin título, 2008

Madera tallada

Desde 1995, Jennifer Allora y Guillermo Calzadilla han trabajado juntos para crear complejas asociaciones entre el objeto y sus posibles significados. La pieza que se encuentra en el Jardín Botánico Culiacán es la escultura de una pierna femenina ensamblada a un árbol. La seductora extremidad se asoma para invitar al espectador a acercarse y descubrirla en su totalidad. La talla en madera pretende ser una rama más, o bien una prótesis a punto de cobrar vida.

Francis Alÿs
Game Over

Francis Alÿs (Amberes, Bélgica, 1959)

Game Over, 2010-2011

Volkswagen Sedán modelo 1991 impactado sobre parota

En la historia de la industria automotriz no existe ningún modelo que haya tenido el éxito que tuvo el Volkswagen Sedán. La última unidad de este auto fue producida en 2003 en Puebla, poniendo fin así a la producción de un icono contemporáneo. Con el propósito de cerrar el ciclo de su pieza Vocho ’91, Francis Alÿs se desplazó en su “vocho” desde la Ciudad de México hasta Culiacán para finalmente llegar al Jardín Botánico Culiacán e impactar el vehículo contra el tronco de una parota. Este acto simbólico no sólo es la conclusión del ciclo de la máquina, también comporta una simbiosis entre el símbolo urbano y un oasis natural, la cual resulta en un nuevo proceso de actividad biológica al interior del automóvil.

Olafur Eliasson
The Flower Archway

Olafur Eliasson (Copenhague, Dinamarca, 1967)

The Flower Archway, 2005

Estructura de acero y plantas aromáticas

La obra de Olafur Eliasson explora las relaciones entre ciencia y estética. Para el Jardín Botánico Culiacán creó The Flower Archway (El arco de las flores), un pabellón de herrería diseñado a partir de patrones geométricos dinámicos, inspirados en la naturaleza. Eliasson toma como referencia la estructura orgánica de una flor para crear una pieza que convive con la vegetación del jardín. Al armazón de acero se le integraron cinco distintas especies de plantas con flores aromáticas que intensifican la experiencia del espectador durante su recorrido por el interior del pabellón.

Dan Graham
Concave / Convex Hedge Folly

Dan Graham (Urbana, EUA, 1942)

Concave / Convex Hedge Folly, 2005

Pabellón

Dan Graham, uno de los artistas conceptuales más sobresalientes desde la década de los sesenta, ha diseñado un pabellón al que dan forma tres paredes curvas. Uno de los muros está conformado por un seto de flores aromáticas y los otros por espejos dobles. El pabellón logra enmarcar un cuadro del paisaje, al mismo tiempo que los espejos de vidrio, por sus cualidades refractantes y translúcidas, producen un juego de cuerpos y destellos superpuestos. Desde 1970, Dan Graham ha trabajado en piezas que involucran al espectador de manera activa, volviéndolo parte imprescindible de la obra.

Richard Long
White Quartz Ellipse

Richard Long (1945, Bristol, Gran Bretaña)

White Quartz Ellipse, 2000

Cuarzo blanco

Richard Long es uno de los representantes más notables del land art. Su trabajo explora los conceptos de lugar, tiempo y localidad. Muchas de sus obras consisten en dejar pequeñas huellas o marcas en paisajes naturales, valiéndose de rocas, tierra, barro o ramas, materiales que encuentra a su paso. En White Quartz Ellipse, da forma a una elipse utilizando rocas blancas de cuarzo de distintos tamaños, las cuales dejan una marca en el paisaje del Jardín Botánico, sin alterarlo de manera significativa. El interés de Long en lograr que sus obras se integren de manera sutil al espacio nos revela la posibilidad de una interacción respetuosa entre el hombre y la naturaleza.

Teresa Margolles
Sin título

Teresa Margolles (Culiacán, México, 1963)

Sin título, 2006

Concreto, agua usada para lavar cadáveres

Teresa Margolles es conocida por su polémico trabajo vinculado a distintos procesos de la muerte. Con el mobiliario que creó para el Jardín, la artista hace referencia al duelo social y a la creciente violencia en el entorno económico y cultural de nuestro país. El agua con la que se preparó la mezcla para el vaciado de estas seis tumbonas de concreto es la misma con la que se limpiaron los cuerpos en la morgue de la ciudad. De esta manera -impactante para muchos- la artista invita a reflexionar en torno a la violencia y el crimen que azotan a México.

Rivane Neuenschwander
Nestor O Destatuador (Zé Carioca Nº 13)

Rivane Neuenschwander (Belo Horizonte, Brasil, 1967)

Nestor O Destatuador (Zé Carioca Nº 13), 2003

Paneles de vinilo y pintura acrílica sobre pared

La caricatura de José o Zé Carioca -un perico que encarna el estereotipo del brasileño- fue uno de los muchos dibujos animados creados durante la Segunda Guerra Mundial por la compañía Walt Disney con el propósito de afianzar las relaciones entre Estados Unidos y algunos países latinoamericanos. La artista se ha apropiado de esas historietas y las ha intervenido, borrando el contenido original. Su obra consistió en cubrir los muros de este espacio con pintura para pizarrón de distintos colores, formando viñetas sobre las cuales se dispusieron globos de texto vacíos -que simulan los de las historietas- dando pie a que el público escriba en ellos sus historias personales.

Julian Opie
My aunt’s Sheep

Julian Opie (Londres, Inglaterra, 1958)

My aunt’s Sheep, 1997

Vinil, pintura y aluminio

En sus obras, Julian Opie extrae imágenes y figuras del mundo cotidiano para convertirlas en formas universalmente reconocibles. El artista británico  presenta en este espacio My aunt´s sheep (Las ovejas de mi tía), una serie escultórica en la que se aprecia un pequeño rebaño de siete ovejas -a escala natural- diseñadas a partir de los elementos que caracterizan la señalética de las carreteras y los aeropuertos internacionales. Debido a su ubicación y a sus gráficas simplificadas, las esculturas logran alterar nuestra percepción del paisaje.

Gabriel Orozco
GO 4 no Borders

Gabriel Orozco (Jalapa, México, 1962)

GO 4 no Borders, 2006

360 discos de ónix y mármol, 90 de cada color (rojo, blanco, gris y negro)

La obra del artista mexicano se caracteriza por resaltar las contingencias o comportamientos azarosos que se producen tanto en la naturaleza como en las múltiples formas de la cultura. En esta ocasión, Gabriel Orozco desperdiga unas fichas del milenario juego chino Go sobre un extenso tablero que, por su aporte formal o conceptual, generan una relación entre el objeto y el público, volviéndolos dos polos de una misma dinámica espacial. Las fichas de gran formato pueden ser movidas por los visitantes, permitiéndoles jugar con las posibles combinaciones que se desprenden tanto de las reglas matemáticas del juego como de sus propias formas y colores.

Fernando Ortega
Finale

Fernando Ortega (Ciudad de México, 1975)

Finale, 2009-2010

Nueve fotografías a color y batuta de madera

El proyecto Finale de Fernando Ortega consiste en cortar un árbol del Jardín Botánico para fabricar una batuta. Esto, con la intención de que durante los eventos importantes que tengan lugar en este parque público la batuta sea utilizada por un director musical para conducir una orquesta.

Kiyoto Ota
Círculo blanco

Kiyoto Ota (Sasebo, Nagasaki, Japón, 1948)

Círculo blanco, 2003

Mármol

Desde este pequeño montículo se puede apreciar la sensualidad y la precisión de Círculo blanco, una talla en mármol que emula la forma de un bulbo vegetal. Con su delicada pieza, Kiyoto Ota, logra contrastar el verdor y la amplitud del paisaje, haciendo eco en las plantas y flores que se encuentran en esta área del jardín. Siguiendo la línea del proyecto de Arte, la obra se integra naturalmente a su entorno, enriqueciendo la experiencia del visitante.

Marcos Ramírez “Erre”
Cruce de caminos

Marcos Ramírez “Erre” (Tijuana, México, 1961)

Cruce de caminos, 2003

Pintura automotiva, aluminio y vinil

La obra de Marcos Ramírez Erre explora, entre otros temas, el punto de encuentro geopolítico y cultural que se genera entre distintos países. En Cruce de caminos, Ramírez Erre indica mediante flechas de colores la dirección de distintas ciudades y las distancias entre éstas y la ciudad de Culiacán. En el reverso de las señales el artista incluye refranes y citas de personajes populares que hacen referencia a las ciudades aludidas, poniendo en evidencia la manera en que las personas nos enfrentemos con otras culturas.

Pedro Reyes
Palas por pistolas

Pedro Reyes (Ciudad de México, 1972)

Palas por pistolas, 2007

Palas por pistolas consiste en la fabricación de 1527 palas producidas con el metal de 1527 armas de fuego obtenidas a través de un programa gubernamental para desarmar a la población. Buscando trastocar la forma y la función de ambos objetos, el objetivo es que algunas sean donadas a instituciones y utilizadas para sembrar un árbol.

Marco Rountree
Sin título

Marco Rountree (Ciudad de México, 1982)

Sin título, 2011

Estructura de metal, columpio y bugambilias

La pieza de Marco Rountree, dispuesta sobre la extensa superficie del jardín, se vincula de manera estratégica con nuestras tradiciones nacionales y la cultura local. En México, lo mismo que en muchos otros países latinoamericanos, es común el festejo por los 15 años de las hijas en todas las familias, sin importar el nivel socioeconómico. Particularmente en Culiacán es habitual que las cumpleañeras vistan vestidos sofisticados y llamativos para la celebración. La estructura de Rountree, cubierta de bugambilias, hace las veces de una armazón que sostiene un columpio. La pieza se concibió para enmarcar las cientos de fotografías que se les podrían tomar a las jóvenes quinceañeras, convirtiendo el Jardín Botánico en un foro relevante para documentar este importante momento.

Anri Sala
Jardín Botánico (Rojo, Violeta, Azul, Blanco , Verde)

Anri Sala (Tirana, Albania, 1974)

Jardín Botánico (Rojo, Violeta, Azul, Blanco, Verde), 2009

5 fotografías

Para el proyecto de arte, Anri Sala decidió efectuar una serie de fotos del Jardín. En las imágenes observamos algunas palmas que dentro de un invernadero fueron capturadas bajo la luz de una bola disco, recurso que se observa en las luces de color que identifican a cada una dentro de la serie.

Valeska Soares
Capricho

Valeska Soares (Belo Horizonte, Brasil, 1957)

Capricho, 2004

Instalación in situ

Mármol, agua, espejos, árboles y azulejos

Valeska Soares es una figura clave de la escena artística brasileña surgida durante la década de los noventas. Para realizar esta obra arquitectónica -un santuario para la contemplación- Soares atinadamente incorporó al paisaje un espejo de agua. Al final del extenso pasillo de la construcción encontramos un árbol que cobija con su sombra una cama de mármol perfectamente esculpida. La fuerza poética de este conjunto de elementos estructurales se ve reforzada por el muro de plantas aromáticas que se eleva a lo largo del perímetro.

Sofía Táboas
Plataforma elevada con plan extraterrestre

Sofía Táboas (Ciudad de México, 1968)

Plataforma elevada con plan extraterrestre, 2008- 2011

Plataforma elevada y cristal

Sofía Táboas alude de manera irónica a algunas formas de experiencia espiritual, esotéricas y místicas que han surgido en la sociedad contemporánea. Para realizar su pieza tomó como patrón los famosos diseños geométricos que se encuentran en numerosos trigales ingleses y cuyo origen se atribuye a la intervención extraterrestre. Con ellos construyó una plataforma elevada a manera de un refugio climático que el espectador puede ocupar. La estructura invita a entablar una relación específica con el sol en Sinaloa y produce una serie de enigmáticas proyecciones ámbar que “mutan” durante el día, así como círculos luminosos durante la noche.

Superflex
Lost Money

Superflex (Copenhague, 1993)

Lost Money, 2009

Bjørnstjerne Reuter Christiansen (1969)

Jakob Fenger (1968)

Rasmus Nielsen (1969)

 

2000 monedas mexicanas soldadas con tornillos

En un juego irónico, el colectivo danés Superflex, te presenta estas monedas sujetas al suelo como un tesoro que es imposible de tomar y ha perdido su valor.

Tercerunquinto
Ruinas / Nueva Arquitectura

Tercerunquinto (Fundado en Monterrey, México en 1998; Julio Castro, 1976; Gabriel Cázares, 1978; Rolando Flores, 1975)

Ruinas / Nueva Arquitectura, 2011

El proyecto del colectivo Tercerunquinto para el Jardín Botánico involucra al diseño, a la arquitectura de paisaje y algunos procesos escultóricos. Su trabajo consiste en usar el desecho que se generó durante el proceso de remodelación del jardín para formar montículos y colocarlos de vuelta a su zona de origen. El área puede ser usada por los visitantes como un espacio para el descanso y el esparcimiento; también ofrece la posibilidad de generar reflexiones a partir de la coexistencia de los materiales reciclados de una ruina con las formas de un nuevo modelo arquitectónico.

Diana Thater
Flores rojas

Diana Thater (San Francisco, EUA, 1962)

Flores rojas, 2001

Video proyectado en 9 monitores

El trabajo de Diana Thater se caracteriza por manipular el espacio arquitectónico a través de la proyección de imágenes y luz. Su obra explora los alcances artísticos del video y sus posibilidades para ocupar el espacio. La pieza que Thater exhibe en el Jardín Botánico consiste en un conjunto de monitores ensamblados que logran dar forma a una superficie fragmentada, en la cual se muestran flores rojas. La disposición en el espacio de esta obra juega con las condiciones arquitectónicas del lugar. El uso de los motivos naturales y los colores se deja a la libre interpretación del espectador, invitándolo a  interactuar con la naturaleza.

James Turrell
Encounter

James Turrell (Los Ángeles, California, 1943)

Encounter, 2007 - 2014

Instalación in situ

Turrell aborda la percepción del espacio y la luz, interroga la naturaleza de la apreciación al hacer evidente la presencia lumínica. Para el artista “La luz no consiste tanto en revelar como en ser en sí misma revelación”. Sus intervenciones consisten en incentivar la reflexión y hacer consciente al espectador del acto de observar y percibir.

Perteneciente a la serie Skyspace, Encounter es un espacio que, retomando como base el efecto óptico de la cámara obscura, ha sido diseñado con el propósito de transformar la experiencia del amanecer y el ocaso.

Pablo Vargas Lugo
Estrella rota

Pablo Vargas Lugo (Ciudad de México, 1968)

Estrella rota, 2007

Estructura de metal y cemento

Para la zona de bambúes del Jardín Botánico, el artista mexicano Pablo Vargas Lugo realizó una de sus características esculturas en cemento. A pesar de que la pieza se fusiona plenamente con el paisaje, Vargas Lugo se dio a la tarea de resaltar sus elementos artificiales, incorporando una gigantesca estrella suspendida en el centro del follaje. Esta pesada masa parece fragmentarse entre los tallos y hojas del bambú al mismo tiempo que la sostienen.

Adrián Villar Rojas
De la serie Return the World

Adrián Villar Rojas (Rosario, Argentina, 1980)

De la serie Return the World, 2014

Arcilla (sin cocer), cemento, madera, metal | 7 piezas

Construidas sobre una estructura de madera y metal recubierta  de una mezcla de arcilla y cemento sin cocer, las siete campanas presentan las cualidades del material en su forma más directa. Su apariencia sin terminar muestra la fragilidad de las piezas  frente al paso del tiempo y los efectos de la naturaleza. Las  grietas son marcas o trazos que semejan cicatrices o particularidades de una persona, son rasgos únicos que nos revelan su propia historia. Las campanas – siguiendo el título de la serie- nos devuelven el mundo, nos lo muestran, lo hacen evidente al ocupar  de manera contundente un espacio y al evidenciar el  carácter efímero de las cosas.

Obras aún no instaladas

Abraham Cruzvillegas
Sin fin

Abraham Cruzvillegas (Ciudad de México, 1968)

Sin fin, 2008-

Concreto, acero, agua

Instalación in situ 

La propuesta de Abraham Cruzvillegas, una estructura que crece en espiral sin curvas de manera aparentemente caótica pero regida por las proporciones geométricas de las secuencias Lucas y Fibonacci, alude a la relación entre las construcciones humanas y las naturales. En Sin Fin la estructura crece como las plantas imitando con ello los procesos evolutivos a veces orgánicos y a veces respondiendo a necesidades funcionales de la casa en la que Cruzvillegas nació y creció. A través de la imitación del crecimiento orgánico y del uso del agua, que propone se encuentre en permanente flujo; el artista pretende explorar la entropía que sucede en los procesos habitacionales humanos y en cómo estos responden a su entorno. Al ser una estructura desnuda y geométrica, pero regida por leyes orgánicas, esta instalación que se entremezcla con la topografía y la flora del Jardín Botánico reflexiona sobre la arquitectura orgánica moderna, el land art y otros procesos que parten de la relación entre la creación humana y la naturaleza.

Tacita Dean
Sin título (Cama de Tréboles), 2010 -

Tacita Dean (Canterbury, Inglaterra, 1965)

Sin título (Cama de Tréboles), 2010

Plantación de  tréboles de 4 hojas
5 fotografías

Para Tacita Dean la búsqueda del trébol de cuatro hojas es un acto comparable al proceso artístico; en ambos, la fortuna, la eventualidad o el destino coexisten con la  concentración, el enfoque y la  búsqueda.

Los tréboles reunidos buscan invitar al visitante a formar parte de esta experiencia. El espectador es convocado a recolectar este símbolo de la suerte y así formar parte de la actividad creativa.

Marcel Dzama
A Gift from Winnipeg
Mario García Torres
Cannabis Sativa

Mario García Torres (Monclova, México, 1975)

Cannabis Sativa, 2013 -

Bronce con pátina verde

La propuesta de Mario García Torres consistía en la integración de la Cannabis Sativa a la colección del Jardín Botánico.

Si bien el permiso fue negado, el proyecto apunta a la historia de una especie que ha sido satanizada por factores socio-económicos y culturales.

Como alternativa, se exhibe una escultura que reproduce fielmente la anatomía de la planta. La cual evidencia la dificultad de negociar actualmente las costumbres e idiosincrasias aprendidas, además de generar una serie de preguntas relacionadas a las  problemáticas sociales de la región.
 

Jacques Herzog & Pierre de Meuron
La plaza
Corey McCorkle
Bindu Dome
Roman Ondák
The hill seen from afar

Roman Ondák (Ilina, Eslovaquia, 1966)

The hill seen from afar, 2011

Montículo de rocas, pasto y bonsái

El trabajo de Ondák consiste en sutiles intervenciones dentro de las estructuras socioculturales en las que estamos inmersos, llamando con ello la atención hacia los procesos sociales que normalmente se encuentran fuera de la visibilidad pública. The Hill Seen from Afar indaga en la percepción de lo artificial dentro de un espacio aparentemente natural, mientras explora la perspectiva a través de un juego óptico de lejanía y cercanía, remitiendo con ello al mundo fantástico de la novela Gulliver’s Travels de Jonathan Swift.

Jorge Pardo
Culiacán Cactus Garden

Jorge Pardo (La Habana, Cuba, 1963)

Culiacán Cactus Garden, 2006 -

Cada cultura tiene su estética ecológica. Cada pueblo encuentra la forma de integrar, a su propio lugar, el entorno natural en el que se halla. Los países latinoamericanos que se encuentran en regiones tropicales han desarrollado una arquitectura fresca, viva y colorida, que se integra perfectamente al calor y a la exuberancia de sus paisajes. Jorge Pardo realiza los diseños de pisos, muebles y casas, que combinan el estilo modernista con el barroco caribeño. Para el Jardín Botánico Culiacán pretende incorporar en la arquitectura algunos de estos elementos de cerámica característicos de su obra. El proyecto de Pardo interviene el área de desierto del parque para crear un ecosistema singular: una especie de oasis secreto dentro del jardín. Así; el lugar queda aislado del resto por grandes muros, invitando al público a ingresar y descubrir el orden de las cactáceas y de los elementos arquitectónicos que enmarcan al conjunto.

Anri Sala (Tirana, Albania, 1974)
Jardín Botánico (Rojo, Violeta, Azul, Blanco, Verde), 2009 -
Tino Sehgal (Londres, Inglaterra, 1976)
This you
Rirkrit Tiravanija
Sin título
Torolab
1º C

Torolab (Tijuana, México, 1995)

1º C, 2008 -

Un Grado Centígrado es parte de un proyecto más amplio de Torolab llamado Urbanismo Molecular, donde los cambios biológicos del cuerpo humano crean una relación transformativa que tratan de visualizar, catalogar y, finalmente, proponer un proyecto a partir de ese punto. En el caso del Jardín Botánico de Culiacán, Sinaloa, MX, Torolab está desarrollando un sistema de inserciones del jardín botánico de la trama urbana a través de los lotes baldíos de la ciudad, consiguiendo el compromiso de la ciudad de para su mantenimiento. Entrelazando el Jardín Botánico con el área construida de la ciudad y los porcentajes de áreas verdes, se pretende bajar la temperatura, que finalmente incide en nuestra disposición, los estados de ánimo y la naturaleza. Para ello, el equipo de Torolab trabaja en la construcción de un laboratorio móvil, que no sólo transporte plantas para los jardines, sino que también hace estudios botánicos y ambientales utilizando los recursos humanos de la Universidad de Sinaloa.

Simon Starling
Mossed Moore
Atelier Van Lieshout
Watertrees

Atelier Van Lieshout (Rotterdam, Países Bajos, 1995)

Watertrees, 2009 -

Cinco árboles de fibra de vidrio

En su proyecto, el Atelier Van Lieshout mezcla el conocimiento del diseño y la arquitectura para realizar bebederos que son mitad mobiliario y mitad escultura, y que por su estética, sugieren objetos de mundos utópicos o distópicos.

Sus piezas cuestionan la naturaleza comercial de la sociedad. Los bebederos ofrecen un servicio que debería ser un derecho y que, por el contrario, se ha vuelto un negocio global, el acceso al agua potable. Watertrees busca establecer un contacto con los visitantes; presentándose no sólo como piezas de disfrute estético sino  también como un servicio para quienes recorren el Jardín. 

Adrián Villar Rojas
De la serie Today We Reboot the Planet III
Franz West
Sin título

Otras obras de arte contemporáneo

 Además del proyecto de arte contemporáneo con la Colección Isabel y Agustín Coppel (CIAC); el Jardín tiene algunas obras escultóricas que se instalaron previamente al desarrollo de dicho proyecto.

Otras obras de arte contemporáneo

Javier Marín (Ciudad de México, 1962)
Madre naturaleza

Javier Marín (Ciudad de México, 1962)

Madre naturaleza, 2004

Bronce

Esta pieza, comisionada especialmente para el Jardín Botánico, es la primera cabeza monumental hecha por el artista. En los comienzos de su carrera, Marín empleó el barro y el bronce como materias primas, mientras que en los últimos años ha utilizado resina de poliéster mezclada con materiales orgánicos como tabaco, tierra, semillas de amaranto, pétalos de rosas o fibras de carne seca. Esta pieza, de reminiscencias clásicas, representa a la madre naturaleza, contrastando lo industrial y lo artificial con lo orgánico y natural.